Ya anuncié meses atrás que esta previsto el lanzamiento de un nuevo disco de maudlin of the Well, los cuales han mantenido la promesa y han lanzando el nuevo disco tras 8 años de parón. El disco ha sido publicado en formato digital y de libre distribución. Se trata de un disco más instrumental que los anteriores, con instrumentos extraños como es habitual y con mucha toques orientales.
Podéis descargarlo aquí. Si os gusta, no dudéis en hacer algún donativo a la banda.
En literatura, existen varios métodos de atribución de cierta información sin caer en el plagio. Por un lado podemos citar, es decir, hacer una copia literal referenciando al autor y obra de donde se ha obtenido la información. Por otro lado, podemos usar la paráfrasis, que consiste en reformular el texto original lo más fielmente posible sin caer en la copia exacta, sin omitir información, de nuevo citando el autor original.
En la música, copiar es mucho más fácil que en literatura. Por ello os propongo varios ejemplos de citas, paráfrasis y plagios musicales.
Paráfrasis:
Un buen ejemplo de ello es el que podemos encontrar entre estos dos temas:
Mikael Akerfeldt reconoce abiertamente que en Still Life, disco al cual pertenece este tema, tuvo una gran influencia de Camel.
Otro ejemplo de ello, aunque no se ve de forma tan obvia, es la gran similitud entre estas dos canciones:
Citas:
Incluir en canciones un trozo de melodía de otras canciones más conocidas es un recurso muy utilizado. Como por ejemplo, aquí podemos encontrar una pequeña cita algo escondida:
Plagio:
No hablamos de influencia, ni de ser un grupo que suena parecido a otro, sino de ser un descarado total y copiar, no solo la melodía, sino hasta la estructura rítmica de la canción. El caso más claro y más descarado es el siguiente:
Aunque también podemos encontrar otros casos de plagios no tan sonados. Escuchadlas y seguramente os recordaran a otras canciones más famosas que estas. Evidentemente, las famosas son las acusadas de plagio.
Cuando los snobs decimos que la música comercial, sobretodo la musica Pop, solo suenan 4 acordes distintos no es ninguna tontería. En este vídeo se muestra como muchas canciones famosas pegan bien con los 4 mismos acordes:
Curiosamente, alguno de estos acordes son comunes a un tema que también seguro que conocéis: El Canon de Pachelbel . El siguiente humorista/músico, consciente de ello, interpreta la siguiente actuación en homenaje a la canción que más odia:
Cada artista tiene su propia fuente de inspiración. De cada una de ellas, deriva un sonido distinto. En el caso de Spastik Ink, banda estadounidense de rock/metal progresivo experimental, la forma de inspirarse en alguno de sus temas, como este que parece en el “Ink Complete”, es un tanto curiosa. Mejor ver el vídeo a ver si notais algo raro.
“No es anti-social hacer canciones con letras provocadoras y los cuatro acordes de siempre. Lo realmente peligroso para el sistema es ofrecer productos que desde su misma base atenten contra los principios sobre los que se éste establece. ¿Necesitáis un tema de tres minutos para ponerlo en vuestro programa de radio esclavizado por los anunciantes?¿No podéis hacer un estúpido politono de “Arrodíllate ante la madera y la piedra”? ¿Te aburres en nuestros conciertos porque no puedes ponerte a bailotear con el cubata en la mano? ¿No nos entiendes porque no sabes cuando llega el estribillo? Pues no somos vuestro grupo.“
Extraído de Bosque de Madera.
Seguramente os estaréis extrañando de que haya puesto dos portadas y el título del disco con una barra seguido de otro extraño nombre. Aunque podría haber hecho dos reseñas separadas, creo que fue más oportuno hacerlas juntas, ya que estos dos discos van seguidos y en realidad es un entero. Ambos discos fueron lanzados en el mismo año, 2001, y seguramente, debido a que en total son más de 2 horas de música, decidieron hacerlo en dos entregas. Un detalle curioso está en las portadas. Aparentemente tienen un aspecto muy feo, pero si os fijáis, la portada de Bath, se puede ver un camino con carteles, como si fuese un mapa, y la portada de “Leaving Your Body Map”, se puede ver un baño con una bañera. ¿Extraño verdad?
Más tarde hablaremos del disco, ahora hablemos un poco de la banda. maudlin of the Well era una banda de Boston. Después de la grabación de este disco, 2º (o 2º y 3º como queráis) y último, perdieron varios miembros. Los que quedaron, decidieron seguir pero con el nombre de Kayo Dot. Para la grabación de este disco, contaron con más de 10 músicos. Toby Driver, uno de los miembros principales y actualmente en Kayo Dot, ha anunciado una reunión, y se espera que sea lanzado un nuevo disco en Febrero de 2009.
La ventaja de hacer música avantgarde y experimental, es que no se sigue un patrón determinado. Hay grupos que se centran en hacer de su música casi un ruido sin apenas estructura, otros prefieren hacer una musica mezclan mil estilos en una canción. El caso de maudlin of the Well es más bien diferente. Su música se centra en la mezcla de estilos de tal forma que no enteras de que han cambiado de estilo, consiguiendo asi un toque muy experimental y extraño. Por ejemplo en el primer tema de “Leaving Your Body Map”, “Stones Of October’s Sobbing”, se escucha una música suave y agradable, para que una inesperada voz gutural salga de la nada. Dicho recurso también aparece, aunque ligeramente de distinta forma, en los primeros temas del “Bath”: el primer tema es un tema puramente instrumental, mientras ya que el segundo es un tema con potentes golpes de batería y voz guturales. Por esa razón, tal vez también podamos pensar que la banda tiene ciertos rasgos de la música progressiva: los cambios de ritmo son constantes.
Su sonido principal se fundamenta en la fusión, ya que no tienen un sonido concreto y determinado ¿Pero qué estilos fusionan? Gran parte del sonido tiene una clara influencia de Death Metal y Doom Metal, que se ve principalmente en el uso de la voces guturales, en los ritmos de batería y en algunos riffs de guitarra y bajo; por otro lado gran parte del sonido es más experimental, que se ven en el uso de instrumentos diversos como saxofones, violas, clarinetes, tablas, piano…también parten de elementos del Progressive Rock, del Jazz, además de añadir muchísimas partes acústicas.
Es preciso, antes de entrar en detalle en cada una de las partes, comentar un poco la parte vocal. A lo largo de los 20 temas de los que se componen el disco, podemos escuchar voces provinientes de 6 personas distintas, pasando de voces limpias muy al estilo Folk, voces limpias más agresivas, excelentes voces femeninas, además de, y como ya he dicho antes, unas voces guturales con un tono muy grave y cavernoso; en algún momento también se pueden escuchar múltiples voces chillonas como una manada de lobos sangrientos.
Pasemos a comentar más en detalle cada una de las partes del disco. La primera hora y pico del disco, se corresponde al “Bath”. Y os preguntáreis ¿Qué nombre tan estupido “Bath”? En realidad hay varias canciones, “The Ferrymen” y “(Interlude 2)”, que se escuchan ruidos de agua como si de una bañera se tratase. Antes he dicho que ambos discos se complementan entre ellos, y es cierto, aunque en realidad está parte es más amena, más tranquila, a pesar de que haya algúna parte cañera. Destaca la primera canción “The Blue Ghost/Shedding Qliphoth”, en la cual se pueden escuchar varios instrumentos de viento. Además, en esta parte reinan las partes vocales limpias distintas, incluyendo una preciosa voz femenina.
En realidad yo descubri el grupo con “Leaving Your Body Map”, y la canción que me cautivo es la primera de esta parte, “Stones Of October’s Sobbing”, que empieza como una canción muy bonita y lenta, con saxos y trompetas, y de repente aparecen unos guturales, creando una atmosfera muy doomy y de tanto en cuanto, un extaño acorde con distorsión enmedio de la lenta y limpia composición. Simplemente genial. Como decia antes, esta parte del disco es más extrema además de experimental: en el segundo tema ya podemos escuchar una batería con un rápido doble pedal y una voz limpia pero agresiva similar a James LaBrie en los primeros álbums de Dream Theater. Otro tema que también no deja de sorprenderme es “The Curve That To An Angle Turn’d” donde casi al final se puede escuchar una guitarra limpia haciendo unao acordes, mientras que la batería hace unos rápidos blast-beats.
Otro detalle curioso del disco son los interludios, representado por “(Interlude X)” con un total de 4 (2 en cada parte), los cuales contienen mucha parte acústica y con un sonido bastante similar entre ellos. En la parte trasera del disco no aparecen el nombre de estos 4 temas, sino que aparece un extraño simbolito.
En mi opinión, este disco es uno de los mejores discos que he escuchado en mi vida, ya que se trata de una excelente composición, haciendo el uso de elementos eclecticos de una forma inteligente y a la vez muy original. Y aunque mucha gente rehuya de escuchar bandas etiquetadas como Avantgarde, si uno es un poco abierto de mente, al escuchar este disco, con una simple escuchada, quedará cautivado por cada uno de los temas.
Descargas: Bath, Leaving Your Body Map
Me encantaría poner un enlace de compra del disco, pero por desgracia el disco original hace tiempo que no se edita, y las reediciones también se agotaron.
Para los que empiezan a descubrir el mundillo del metal, es dificil diferenciar entre estilos, en gran parte por la excesiva clasificación de estilos que hacemos muchos snobs de la música. Con este excepcional gráfico, en forma de arbol, se muestran los estilos y subestilos más significativos. Pulsad sobre la imagen para verla a tamaño completo.
Antes de adentrarme en la profunda reseña de esta obra maestra, es conveniente hacer un poco de historia. Jesu se forma en 2003 tras las ruptura de Godflesh, por uno de los miembros de este: Justin Broadrick. Justin empezó su carrera musical con una de las bandas clave y más influyentes dentro del metal extremo internacional, sobretodo del Grindcore: Napalm Death. No obstante, poco después de abandonar Napalm Death, Justin se interesa por la musica experimental y electrónica, pasando por la banda de Metal Industrial Head of David, más tarde en Godflesh y por último Jesu.
El primer EP lanzado por Jesu, fue grabado únicamente por Justin. No obstante, a partir de su primer álbum “Jesu”, y por tanto también en este disco(segundo larga duración y lanzado en el 2007), cuenta con la colaboración de Diarmuid Dalton al bajo y Ted Parsons en la percusión; Justin se encarga del resto de instrumentación, incluido la voz.
“Conqueror” es un disco que bebe de distintos estilos musicales, aun así, es difícil clasificar en un apartado concreto de este. Una de las influencias principales que se pueden ver es la parte Industrial/Electro, que sin duda, es algo bastante común en las composiciones de Justin: la parte de producción electrónica esta muy presente, sobretodo para dar un toque muy ambiental al disco entero. Por otro lado, podemos ver una parte guitarrera pesada muy importante, que tiene rasgos muy fuertes de Drone y de Shoegaze; mientras que la parte experimental de la banda hace que me recuerde a una banda típica de Post Rock. Pero como cada disco de Jesu tiene un sonido distinto, a veces compartiendo estas características, y definir la música con etiquetas en ocasiones no aporta nada, procederé a explicar un poco con más detalle el sonido de “Conqueror”.
El disco abre con un esplendido tema, titulado también “Conqueror”, con unos sonidos electrónicos muy suaves y a la vez extraños, cuando de repente aparece una imprevista guitarra ultra distorsionada y marcando unos riffs muy lentos: de ahí el termino Drone (zumbido) que debido a las numerosas repeticiones que se hace del mismo riff y del estridente sonido guitarristico da la impresión de tratarse de un zumbido continuo. El tema continua con unos susurros de Justin, pasando a cantar con una voz muy limpia. Y aquí es donde encontramos la magia de Jesu y de “Conqueror”. La perfecta armonía en que la voz, limpia con un tono bastante agudo, casi de Pop, y las guitarras zumbantes se unen para hacer un sonido increíblemente agradable consiguiendo un sonido ambiental que provoca que entremos en un estado de relax.
Pero la diversión no termina aquí. El disco juega con una parte experimental muy importante. Por un lado, Justin incorpora sonidos electrónicos, no muy exagerados, que permiten sacar a las canciones un sonido peculiar ya que de ellos se puede experimentar de una forma muy grande. Por otro lado, algunos temas, no se centran principalmente en el sonito pesadote y Drone, como los primeros temas, sino que su sonido se centra más en el Post Rock Experimental. Un buen ejemplo de ello es el tema “Mother Earth”, donde se pueden escuchar unos punteado con un sonido muy profundo y que recuerda a bandas del estilo como Sigur Rós o incluso Mogwai. Y no me extraña, ya que Justin ha colaborado con muchos grupos de Post tales como Pelican, Explosions in the Sky, Envy, Battle of Mice…
Sin duda es un disco que personalmente me gusta mucho, que me sirvió por una parte para descubrir Jesu y por otra para seguir adentrándome en el interminable mundo de la música experimental. Hoy día, Jesu saca EPs y Splits a una velocidad muy grande, incluso en la actualidad preparan un tributo al difunto Syd Barret de Pink Floyd. Creo que es un disco que deberían escuchar todas aquellas personas que gusten de descubrir nuevos estilos musicales, nuevas formas de hacer vibrar el aire…
Podéis bajaros el disco de aquí…y si te gusta, apoya a la banda.
Al fin tengo el placer de reseñar el esperado disco de Hybrid!! Tras una espectacular demo en el 2005 y un MCD en el 2006, “Beyond Undeniable Entrophy”, se estrenan con su “The 8th Plague”. Para quien nos los conozca, Hybrid es una banda madrileña compuesta por miembros de otros grandes grupos de Madrid, tales como Wormed, Human Mincer y Another Kind of Death. El disco esta editado bajo el sello Eyeofsound, y con una producción de lujo, Alan Douches (Suffocation, Mastodon, Converge).
Lo que me atrajo de esta banda las primeras veces que la escuché es su gran símil con Gorguts. No obstante, con “The 8th Plague” han ido más allá, y se les podría definir perfectamente, tal como se definen ellos, como “Avantgarde Extreme Metal”. La influencia de Gorguts es clara, basta escuchar el principio tercer tema, “Sleep Of The Defeated”, cuyo sonido es muy del “Obscura”, pero también su sonido se asemeja a otras bandas de otros estilos, tales como Meshuggah o Textures; también tiene mucha influencia del metal moderno, sobretodo del Metalcore, que se ve en las partes lentas. Pero lo que no me esperaba es la extraña mezcla que han conseguido realizar: algunas partes jazzeras, otras Grindcore, el sexto tema termina con una parte Bossa Nova, sonido de saxofón por ahí…todo ello bien mezclado, sin cambios bruscos ni exagerados de ritmo.
A parte de ser un banda muy experimental, también se trata de una banda muy técnica, en cada uno de los instrumento: Los contratiempos y polirítmias a los Meshuggah, demuestran que el batería tiene un gran dominio de su instrumento; de igual forma que las guitarras, que se les ve con una técnica muy buena, y también con un nivel de ejecución, además de las partes de Jazz, que también implican cierto conocimiento en música.
Por otro lado, algo que no me ha terminado de gustar son las voces. No digo que las 4 voces de los 4 de los 5 miembros que se pueden escuchar sean malas, al contrario, pero opino que para este tipo de banda sería más adecuado un tipo de vocalista más dinámico y completo, cuya única función fuese la de cantar e introduciese tanto partes limpias, como guturales.
El disco se titula “The 8th Plague”, contiene 8 temas, y su fecha de lanzamiento es 08/08/08. ¿Demasiada coincidencia, no? Pues si, ya que se trata de un disco conceptual: según puedo leer, y también se deduce por el nombre de los temas, se trata el tema de la auto destrucción del humano mediante la metafórica idea de la metamorfosis de un insecto. Personalmente, portada me resulta muy familiar a las portadas de Textures, pero supongo que será casualidad. Por curiosidad, el artista encargado de realizar dicha labor es Seldon Hunt que también ha trabajado con Neurosis, Isis, y Melvins.
Para mi es el disco del año del panorama nacional, y candidato a ser uno de los mejores del año que han salido a nivel internacional. Lamentablemente, recientemente me he podido enterar de que la banda esta pasando por una etapa delicada debido principalmente a conflictos varios entre Chus, batería y cantante, con el resto de miembros de la banda, asi que dificilmente, podamos escuchar nuevo material de ellos.
Escucha algo aquí.
Descarga el disco aquí.
Después del espectacular concierto de John Zorn en Sa Pobla, tuve la oportunidad de asistir a un pequeño seminario de improvisación. Este seminario esta organizado por la Travelling School de Jimmy Weinstein, y hecho posible gracias a Toni Miranda. El éxito de los años anteriores provocó que este año se hiciese otra edición del curso, esta vez, con mucha más gente.
Cursos de improvisación y combos
El grupo lo formábamos más de 30 personas, donde una gran mayoría tocaban instrumentos de viento (sobretodo saxos). Los participantes del curso provenían de diversas partes del mundo, muchos de ellos eran italianos, al igual que los demás profesores. El primer día realizamos un experimento extraño: el grupo entero toco durante un rato su instrumento, creando una gran masa sonora que aunque parezca mentira, sonó bastante bien.
Una parte del curso consistía en ir a los cursos de improvisación, cada uno con su instrumento, impartidos por cada profesor. La otra actividad eran los combos, donde el grupo se dividió en 5 combos distintos. Por mi lado, me tocó con Stefano Solani como profesor del combo, un gran músico y persona, que apenas 4 días que estuvimos con él, nos hizo disfrutar con las 2 espectaculares composiciones que tocamos al final.
Masterclass
Los profesores italianos impartieron unas “masterclass” de poco más de hora y media. El primero de todos fue Paolo Porta, el cual nos habló sobre la improvisación y como es una forma de expresión de nuestros sentimientos. Rato más tarde, Francesco Guaiana nos presentaba su disco “Clouds in Motion”, donde demostró una peculiar forma de tocar con un pedal para grabar y hacer loops, además del uso de técnicas experimentales, tales como el uso de un destornillador para percutir las cuerdas de su guitarra. Un día después, Stefano Solani nos habló sobre su experiencia con la música y nos aconsejó de como mejorar nuestra forma de escuchar música.
Actuación de Combos
Después de una cenar en la plaza, empezó nuestra actuación. El primer combo fue el de Toni Miranda, los cuales nos deslumbraron con 2 tema excepcionales, uno de ellos una versión de Herbie Hancock, ambos con un sonido muy clásico, incluso de orquesta. Después me llego el turno a mi, que poco puedo decir de mi actuación, solo que se trata de unos temas muy sencillos, pero con una estructura muy pegadiza y que permiten improvisar de una forma muy interesante. En tercer lugar cantaron las únicas vocalistas que había en el cursillo, las cuales con su limpia y bonita voz cantaron algunos standars de Jazz. Por último lugar, llego el turno a los combos de Paolo Porta y después el de Francesco Guaiana, los cuales nos deslumbraron con la actuación de unas brillantes y modernas composiciones que a un servidor le impresionaron.
Globalmente no puedo decir que actuación me gusto más o menos, pero si puedo decir que el sonido fue excelente, y que para ser una actuación preparada en 4 días, se vio a la gente con mucha soltura, sin apenas errores y disfrutando de su actuación, que es lo más importante.
Jimmy Weinstein’s Traveller School Band
La última actuación del Festival de Jazz de Sa Pobla, día después de nuestra actuación, la cerró este grupo, compuesto por los profesores del seminario: Jimmy Weinstein a la Batería, Francesco Guaiana y Toni Miranda a la guitarra, Stefano Solani al contrabajo, Paolo Porta al saxo y Lilli Santon a la voz.
El concierto duró poco más de hora y media, el cual estuvo compuesto a algunas incidencias, no por culpa de los músicos, sino que el sonido no fue tan bueno como el que se pudo escuchar el día anterior en la actuación de los combos. Además del ruido de la gente del público y de un molesto perro que interrumpió un solo de saxo de Paolo.
Es dificil definir que estilo exacto practica este sexteto. Lo cierto es que era un Jazz muy experimental, casi rozando el vanguardismo, algunas partes rockeras muy cañeras (con un espectacular solo de Toni Miranda, que incluso se hizo daño en la mano). El uso de los loops de Francesco Guaiana en según que partes del concierto también propicia una buena dosis de experimentación.
No obstante, si hay una palabra para definir la actuación esa palabra es energía. Se pudo apreciar en cada uno de los miembros de la banda una gran energía en su actuación, incluso Stefano, el cual transmitía toda su rabia con el contrabajo, en algún momento daba patadas al suelo. Ya casi al final de la actuación, Jimmy realizó un espectacular solo de batería que dejo mudo al público. Lamentablemente no puedo opinar demasiado de la actuación de Lilly, ya que apenas oía su bonita voz. El grupo cerró con una versión de Thelonious Monk
Sin duda ha sido una gran experiencia compartir opiniones con otros estudiantes y aprender de grandes músicos. Si sois músicos, recomiendo no perderse una experiencia como esta.
